Les lurons de la forêt: quand les animaux brouillent les limites entre l’album et le théâtre

Les lurons de la forêt d’Anthony Martinez est un ouvrage publié aux éditions Kaléïdoscope en 2024, à destination d’un lectorat de 7 à 9 ans. Son format est étonnant car à l’intermédiaire entre l’album illustré et la pièce de théâtre, comme l’indique clairement son sous-titre : « Une comédie en V actes ». Ce type de pièce, créant « le rire par le comique des situations, de l’intrigue, de la peinture des mœurs, du ridicule des caractères »[1], semble un genre approprié pour cette alliance novatrice avec l’album, le recourt à l’image permettant en effet aux créateurices de jouer avec la dimension ludique et interactive de ce médium. La mention du nombre d’actes ancre le récit dans un découpage propres aux conventions du théâtre classique et permettra aux prescripteurices, nous allons le voir, d’initier les jeunes lecteurices à ce genre.

 

Le paratexte comme entrée dans une pièce de théâtre

L’album étant par définition un lieu de créativité et d’inventivité[2], il se prête particulièrement bien au jeu d’hybridité avec le théâtre, et ce, dès le paratexte. L’illustration de la première de couverture joue par ses lignes de force, avec les symboles du théâtre. Les arbres représentent les rideaux qui s’ouvrent, jouant alors eux même avec le champ sémantique de la scène (Figure 1). En effet, la forêt, citée dans le titre, sera la scène des aventures des joyeux lurons présents sur l’image, à savoir : un renard, un cerf, un sanglier bleu, un écureuil, une cigogne, une chenille et un lapin, mais elle sera aussi représentée sur la scène de théâtre où joueront les acteurs. Finalement, la forêt est donc littéralement le théâtre des aventures de nos protagonistes, conformément à son symbolisme associé à la quête initiatique et au passage vers l’âge adulte[3].

C’est l’ouverture du livre et la tourne de page qui offrent aux lecteurices la confirmation de cette hypothèse : l’on découvre une introduction au récit énoncée d’un ton plutôt hésitant « Il y a bien longtemps (ou alors pas tant que ça) » « très loin […] un autre monde, ou alors juste à côté (je ne sais plus très bien) » (p.3), accompagnée d’une illustration pleine page représentant un papillon devant le fameux rideau rouge dont nous avons parlé (Figure 2). L’on comprend qu’il s’agit du narrateur de l’histoire, qui s’adresse directement au lectorat « laissez-moi vous les raconter » (p.3) indique-t-il en parlant des aventures des protagonistes. En plus d’ancrer pour de bon le récit dans le genre théâtral, cette double page permet d’aider les jeunes lecteurices à comprendre la différence entre être l’auteurice d’une œuvre et en être lae narrateurice[4].

Le reste de l’album est ensuite divisé en cinq actes, comme annoncé, mais chacun possède un titre, à l’instar d’un chapitre de récit : « Acte I Le malentendu » « Acte II Seul contre tous » « Acte III La ruse » « Acte IV Suivre ses rêves » et « Acte V L’effet papillon ». Suivant une mise en page similaire, chaque acte fait une pause dans le récit grâce à la présence d’une double page entièrement consacrée à sa présentation, comme le montre la Figure 3.

Sur chaque annonce d’acte, seule la belle page est investie de texte et d’une illustration supplémentaire : la silhouette du personnage donc l’acte va conter l’histoire est ainsi annoncé dans un jeu de reconnaissance qui amuse les jeunes lecteurices. La tourne de page permet de confirmer les hypothèses qui auront été émises, avec une phrase qui peut facilement être assimilée à une didascalie. De plus, les illustrations de chaque acte sont réalisées dans les tonalités d’une couleur prédominante, comme cela vous est présenté dans le tableau suivant :

Pièce	Personnage suivi	Couleur des illustrations
Acte I	« Quelque part, dans la forêt, vivait l’écureuil » p.7	Orange
Acte II	« Quelque part, dans la forêt, vivait le lapin » p.21	Rouge
Acte III	« Quelque part, dans la forêt, vivait le renard », p.35	Jaune
Acte IV	« Quelque part, dans la forêt, vivait la cigogne » p.47	Bleu
Acte V	« Quelque part, dans la forêt, vivait la chenille » p.61	Vert

Attention, je fais ici remarquer que la couleur prédominante des illustrations n’est pas forcément la même que celle de la double page introduisant l’acte : elle rappelle un élément important du récit. Le orange pour la couleur du pelage de l’écureuil mais également les flammes du feu qu’il cherche à construire pour se réchauffer. Le rouge pour la colère du lapin. Le jaune pour la joie du renard. Le bleu pour la mer car le rêve de la cigogne est d’apprendre à naviguer. Et le vert pour la nature verdoyante du printemps et les ailes du papillon qui s’envole du cocon.

Au centre de l’album se trouve également un interlude, qui n’est pas sans rappeler un entracte, caractéristique des représentations théâtrales. S’il est une pause dans la lecture des récits, il n’en reste pas moins important, car l’on y voit arriver la petite chenille pour installer son cocon, dont elle sortira en papillon dans le dernier acte.

 

Les dialogues pour théâtraliser l’album

Outre le paratexte, d’autres aspects de l’album participent de son ancrage dans la comédie. Les lurons de la forêt met en scène des personnages hauts en couleur, c’est le cas de le dire, dont l’auteur a voulu mettre en évidence le caractère grâce aux dialogues, si importants dans le théâtre et pour le créateur de l’album. Chaque acte raconte une histoire indépendante des autres, avec comme point commun les protagonistes que l’on a découvert sur la couverture, la narration se centrant tour à tour sur chacun d’entre eux.

La richesse des dialogues permet d’amener subtilement une morale à chaque histoire, en jouant parfois avec le non-dit, l’implicite, et la complémentarité des images offertes par le format de l’album.

Ainsi, dans l’acte I, les dialogues montrent qu’aucun personnage de la forêt ne laisse parler l’écureuil. Alors qu’il construit tranquillement un tas de bois, les habitants de la forêt viennent lui donner des conseils non à propos. Celui-ci n’arrive pas à s’exprimer, et lorsqu’il essaye, personne ne l’écoute. « Merci madame ! Je… » (p.9), « Mais n’est-ce pas un peu trop… » (p.10), « Pourquoi pas. Mais je dois vous dire que… » (p.12), « Mais êtes-vous sûr qu’il soit vraiment utile de… » (p.13). En l’empêchant de s’exprimer, les autres personnages créent un malentendu : c’est finalement l’absence de dialogue qui met l’emphase sur l’importance de l’écoute mutuelle.

Le manque de communication est aussi dénoncé par Anthony Martinez dans l’acte II en créant une saynète autour du lapin. Tranquillement en train de manger, les propos du lapin sont (volontairement ?) mal interprétés et déformés :

***

Sanglier : Oh ! Bonjours, lapin ! Que fais-tu ?

Lapin : Je croque ma petite carotte.

Sanglier : Bonne mère ! Pourquoi tu t’énerves ?

Lapin :… Je ne m’énerve pas ! (p.22)

***

Cigogne : Tonnerre ! Qu’est-ce qu’il te prend de t’énerver comme ça, lapin ?

Lapin : Mais… c’est le sanglier qui dit que je m’énerve

Sanglier : C’est une raison pour s’énerver ?! (p.23-24)

***

Lapin : Je ne suis pas énervé !! Je croquais ma petite carotte et maintenant c’est vous qui m’énerver !

Sanglier: Vaï… de toute manière, depuis le début il était énervé.

 

Si le sanglier ne veut entendre que ce qu’il veut entendre, si les autres personnages croient des rumeurs sans aucune source pour les confirmer, le lapin n’arrive pas à se faire entendre et finit par s’énerver face à la situation insensée dans laquelle il est impliqué malgré lui (Figure 4) :

La gestuelle du lapin est très claire, et peut facilement être reproduite soit par l’adulte qui lit l’album, soit par les enfants dans des exercices de mise en scène. La place du lagomorphe en lui-même, ainsi que de la taille de la police de ses répliques, augmente progressivement au fil des pages : d’abord cantonné à un quart de la page (p.22), parlant doucement et ne voulant pas s’imposer, le lapin occupe ensuite la moitié de la page (p.25) puis l’intégralité de la page pour pouvoir enfin réussir à ce que les autres l’écoute (p.29) (Figure 5). L’émotion s’empare de lui progressivement, jusqu’à ce qu’il n’arrive plus à la contenir.

L’auteur de l’album joue également sur le comique de situation et de répétition pour dénoncer l’entêtement et le refus d’écouter les autres. C’est en effet le cas dans l’acte IV, où l’on rencontre la cigogne. Son rêve est de partir en bateau découvrir l’autre rive. Alors qu’elle parle sans arrêt pour expliquer son souhait au sanglier, celui-ci chercher à lui signaler une information importante. Les exagérations qu’elle utilise, et la répétition des répliques, la rendent tendrement ridicule, et déclenchent le rire des enfants : « Voler ?! Ah ah ! C’est bon pour les pigeons et les mouettes ! » (p.52 et p.58). Perdue dans ses élucubrations quelque peu grandiloquentes, la cigogne ne prête pas attention au sanglier qui l’avertit pourtant que son bateau dérive. Une fois le bateau disparu, elle s’entête à refuser de voler pour aller le récupérer, et se retrouve, pardonnez-moi l’expression, le bec dans l’eau !

 

Les références au patrimoine culturel français

L’album ne se cache pas de rendre hommage au célèbre Jean de La Fontaine. Déjà, par la citation mentionnant le nom du poète que l’on retrouve sur la dernière page de garde :

« Mais que dorénavant on me blâme, on me loue, qu’on dise quelque chose ou qu’on ne dise rien, j’en veux faire à ma tête. »

La Fontaine, Le meunier, son fils et l’âne

Ensuite, par le panel de protagonistes animaux, à l’identité physique et comportementale bien marqué, permettant aisément d’identifier leur fonction sociale (le cerf est un shérif qui représente les forces de l’ordre, il est autorité et sévère ; l’écureuil est timide et n’ose pas s’exprimer, la cigogne est têtue et n’écoute pas les autres…). L’acte III met d’ailleurs en scène le renard qui ruse, car c’est la qualité qui lui est généralement attribuée dans les récits[5], dans une situation jouant sur le comique de situation : les lecteurices rencontrent le canidé in media res, perché sur une branche d’arbre. La première réplique de la scène est prononcée par le sanglier « Té ! Renard ! Que fais-tu si haut perché ? » (p.36) et rappelle le premier vers de la fable Le corbeau et le renard : « Maître corbeau, sur un arbre perché » (La Fontaine, Fables, Livre I, 1668) que tous les enfants (et les prescripteurices avant elleux) ont appris à l’école. La nouvelle stratégie du renard n’est pas des plus efficaces. Il tient dans ses pattes deux branches pour chercher à se fondre avec l’arbre, afin de pouvoir surprendre une poule qui passe, animal on ne peut plus emblématiquement chassé par les goupils dans les livres pour enfants. Ainsi les rôles sont inversés par rapport à la fable originelle : le canidé est perché sur une branche, tandis que le volatile arpente librement la forêt. Et de se préparer à sauter sur la cocotte, mais de s’écraser lamentablement, provoquant le rire chez les jeunes lecteurices (Figure 6). Le retournement de situation sur l’incapacité du renard à réussir, par rapport à l’hypotexte, prête à rire mais aussi à moderniser l’histoire en invitant les lecteurices à en chercher la nouvelle morale, inscrivant l’album-pièce dans la ligne directe de ce qu’affirmait le fabuliste : « Je me sers d’animaux pour instruire les hommes » (La Fontaine, dédicace du poète au Dauphin, fils de Louis XIV, Fables, Livre I, 1668).

Enfin, je m’arrêterai sur un personnage en particulier : le sanglier bleu. Les échanges que nous avons étudiés sont sublimés par l’accent que l’auteur lui a donné– notons d’ailleurs que ce personnage n’a pas d’acte qui lui est consacré, mais il apparait dans tous ceux des autres personnages. Voici un florilège d’expressions du sud qui participent du caractère atypique du suidé bleu :

« Oh ! Coquin de sort, la belle chose ! » (p.13), « Té ! Prends-en de la graine, minot ! » (p.14), « Bonne mère ! Pourquoi tu t’énerves ? » (p.22), « Ne crie pas si fort que tu nous escagasses ! » (p. 26), « Fada ! Tu ruses en hauteur, toi ? » (p.37), « Ha ! Moi je te vois, bestiasse ! » (p. 38), « Et que veux-tu y faire, à cette cocotte ? » (p.39), « Tu ne serais pas un peu fada ? » (p.40), « Bonne mère ! Que c’est beau… » (p.76), voir par exemple la Figure 7.

Les expressions chantantes qui parcourent l’album ancrent immédiatement le récit dans le sud de la France, témoignant du fait qu’« Anthony Martinez a été marqué par les dialogues écrits par Marcel Pagnol »[6]. Cet hommage permet, outre la dimension didactique qui permettra aux prescripteurices de faire découvrir cet auteur emblématique ainsi que l’existence des régionalismes, de rendre le personnage très vrai et très attachant – peut-être cette dimension affective m’a-t-elle frappée car je viens moi-même du sud de la France, et cet accent a réveillé une certaine nostalgie réconfortante en moi, je le reconnais.

 

Conclusion

Les analyses précédentes nous ont permis de voir que cet album joue avec les codes de plusieurs genres, le théâtre et la fable, et se les approprie tellement qu’il en devient un format hybride d’album-pièce-fable extrêmement ludique et novateur.

Quels que soient les actes, la moralité tourne toujours autour de l’importance de la communication : oser s’exprimer, ne pas se laisser influencer, ne pas mentir, apprendre à s’écouter les un.e.s les autres. La poésie du dernier acte transcende même cet aspect sociétal et pourrait être interprétée comme une ode à la beauté de la nature et un appel à la simplicité comme clé de la paix intérieure.

La page 78, qui termine le récit, est composée du seul mot FIN encadré d’un ornement doré. Pourtant, la tourne de page révèle une surprise au lectorat qui pensait avoir terminé sa lecture : une page de garde importante sur laquelle sont présents tous les personnages du récit, même ceux qui n’étaient pas sur la couverture (la poule et le papillon). Ils sont représentés sur une scène de théâtre, devant le fameux rouge dont nous avions parlé au début de la pièce. Main levée et yeux baissés, ils font un salut final aux specteurices-lecteurices : ils sortent de leur rôle de personnages fictif pour prendre celui d’acteurices (que l’on aimerait réels). La mise en abyme narrative brouille définitivement les limites entre pièce de théâtre et album, utilisant l’alliance des spécificités de chaque genre pour le meilleur : l’on a envie d’applaudir, et de continuer à voir jouer ces acteurs aux dialogues croustillants mais réconfortants. La dernière tourne de page en devient étonnamment difficile : fermer l’album, c’est quitter la scène, quitter la forêt et cette bande de gais lurons si attachant.e.s.

 

 

[1] https://cnrtl.fr/definition/com%C3%A9die

[2] Van der Linden, Sophie, and Olivier Douzou. Album [s]. Éditions De Facto/Actes Sud, 2013.

[3] Achraf Hassan Abdel Rahman, « Les objets et l’espace réel dans les contes merveilleux », Faculty of Arts Journal, 87(211), 2010, p. 1-35.

[4] https://media.ecoledesloisirs.fr/fichiers/DP-LuronsForet.pdf, p.4

[5] Même si son image évolue récemment, voir par exemple Louis-Patrick Bergot (Université de Strasbourg) « Le renard est-il un animal “écolo” ? Inversion de l’éthique renardienne dans la littérature de jeunesse contemporaine », colloque Lecture(s) éthique(s) en littérature de jeunesse : représentations animales et écologie, 16 novembre 2023.

[6] https://media.ecoledesloisirs.fr/fichiers/DP-LuronsForet.pdf, p.4

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